Jóvenes artistas incorporan el arte tradicional turco al espíritu de la época

A primera vista, "Here 2025: A World Unmade" parece transitar por un terreno familiar: jóvenes artistas que interactúan con la angustia y la distopía . Pero si se observa con más atención, surge algo mucho más inesperado. Miniaturas, azulejos, alfombras y tapices —medios que desde hace tiempo se asocian con la calma, el orden y cierta cortesía ceremonial— se están reutilizando para expresar la ansiedad ambiental, la incomunicación social y los problemas generales de la vida moderna.

La exposición, comisariada por Nil Nuhoglu, se encuentra en el Proyecto de Arte Offgrid, un espacio pequeño pero cada vez más influyente en el distrito de Beyoglu de Estambul. Es obra de "Here", una iniciativa lanzada en 2023 por estudiantes y recién graduados de la Universidad de Bellas Artes Mimar Sinan. Lo que comenzó como una reunión improvisada se ha convertido en un esfuerzo por traer las técnicas tradicionales turcas al presente y sacarlas de lo que varios artistas describen como la "jaula dorada de la nostalgia".

Como lo expresa el miniaturista Cagri Dizdar: «Las artes tradicionales turcas no pueden limitarse a la romantización, la orientalización ni a las formas antiguas. Imaginen pedirles a los pintores de hoy que trabajen al estilo del Renacimiento. Si no podemos pedir eso, ¿por qué pedirles a los miniaturistas o a los tejadores que hagan lo mismo? ¿Por qué se me debería pasar la vida dibujando granadas y las siete colinas de Estambul?».

La distopía se convirtió en el tema elegido por el grupo en un momento en que los incendios forestales , los terremotos y la deriva política ya marcaban las conversaciones en el estudio. Nuhoglu los instó a no presentarla como un espectáculo, sino como una lenta filtración, una condición que se instala mientras la vida continúa.

«Los mundos distópicos no surgen de desastres repentinos, sino de colapsos lentos, casi imperceptibles», declaró a Al-Monitor. «Surgen donde la inestabilidad se disfraza de progreso y donde lo familiar empieza a resquebrajarse». En este contexto, las formas tradicionales, construidas sobre la repetición y la simetría, se convierten en herramientas inesperadamente agudas para explorar cómo se siente cuando la autoridad se vuelve frágil, la certeza se debilita y los lazos comunitarios se debilitan de maneras que percibimos antes de comprender del todo.

Varias obras lo demuestran con una claridad desarmante. En una, Zeynep Akman construye una página en miniatura otomana perfectamente clásica, solo para colocar en el centro no al sultán, sino a una rana entronizada cuyas "leyes" se esparcen por la superficie en forma de garrapatas, pulgas y pequeños bichos que pican: un tanto grotesco e inequívocamente crítico. Junto a ella cuelga la segunda obra de Akman, un ferman —un edicto real de la época otomana, cuando el gobernante podía dictar su voluntad— en el que las letras han sido reemplazadas por diminutos mosquitos. El efecto es una picazón visual: la autoridad convertida en irritación.

En la misma pared, el díptico "Nadie" de Dizdar se extiende sobre un panel horizontal de gouache, lápiz y oro de 22 quilates. A primera vista, resulta exuberante —pantalones estampados, bestias estilizadas, geometría brillante— hasta que se observan las cabezas huecas, las máscaras vacías, figuras comparables a los "Hombres Huecos" de T. S. Eliot. Dizdar y el artista textil Isra Dogan Umdu amplían el tema con cuatro pequeñas figuras con aspecto de marionetas suspendidas al frente, mitad humanas y mitad folclóricas, como si estuvieran en medio de una conversación en la que nadie escucha. "En momentos de desastre, la gente habla sin entenderse", dice Dizdar. "Todos actúan; nadie escucha".

Para realzar la atmósfera, el grifo de la artista textil Dilara Altinkepce Arslan: un guardián del siglo XXI cosido con la cola de un topo que simboliza la sequía, alas de cucaracha para la resistencia a la radiación, un cuerpo de guepardo que representa el consumo implacable, una cabeza de cuervo que representa la ignorancia voluntaria y los ojos de un gorila que insinúan la humanidad desplazada. Dos videoclips de naturaleza idílica y distopía postapocalíptica proyectados en cada ala, la criatura híbrida se encuentra en el delicado equilibrio entre mundos que podrían ya no existir del todo.

Azra Celik, estudiante de segundo año, toma otra ruta, escenificando un idilio clásico con influencias de azulejos de Iznik —figuras flotantes, bandas de nubes, una estilizada puerta del paraíso— y metiendo discretamente un código QR en su interior. Al escanearlo, la escena se transforma en una gemela más oscura: los colores se intensifican, las curvas se agudizan en los ojos, la inocencia se convierte en escrutinio. «Dos realidades conviven en el mismo plano», dice Celik. «Lo que ves no es lo que obtienes».

Las puertas del infierno de Azra Celik con motivos de azulejos tradicionales (Foto de Baris Ozcetin/Offgrid)

Esta ola emergente de reutilización de motivos tradicionales no surge de la nada. Artistas como Gazi Sansoy, quien fusiona el lenguaje del huecograbado de Levni con la distorsión del arte pop, y Murat Palta, quien replantea la mitología de la cultura pop global a través de las convenciones de la miniatura otomana —desde gánsteres hasta villanos galácticos—, han demostrado desde hace tiempo cómo las formas heredadas pueden ofrecer un comentario contemporáneo. Y Elif Uras, cuya cerámica se inspira en las tradiciones de los azulejos para explorar los roles de género , ha impulsado el medio a conversaciones que rara vez protagoniza. Su obra forma un linaje reciente en el que los artistas de Burada ocupan su lugar.

Aun así, persisten barreras estructurales. Miniaturistas, azulejeros y artistas del arte del libro permanecen en gran medida al margen de las exposiciones colectivas y ferias dominadas por la pintura, la escultura y la fotografía.

"Los llamados modernistas se distancian de nosotros porque somos artes tradicionales", señala Dizdar. "Y cuando hacemos algo diferente, los tradicionalistas nos critican por distorsión".

Este tira y afloja anima el campo de forma más amplia. «Cualquier artista puede usar cualquier medio para expresarse», afirma Burcu Pelvanoglu, profesora de historia del arte en Mimar Sinan. «La cuestión es si se trata de una obra creativa y auténtica». Para ella, la dicotomía entre lo tradicional y lo moderno es en gran medida artificial, tanto en la historia del arte como en la práctica.

Hay indicios de movimiento. BASE, una de las plataformas más grandes de Turquía para jóvenes artistas, ha incorporado cada vez más la cerámica, el vidrio y las prácticas artísticas tradicionales a sus exposiciones. Kale, la empresa de azulejos y cerámica conocida por su apoyo a artistas, ha respaldado una exposición paralela bajo el mismo techo de BASE, que presenta obras experimentales de arcilla y técnica mixta que abordan el estrés climático, la precariedad urbana y la fragmentación social. Estas colaboraciones apuntan a un cambio más amplio: una lenta ampliación de lo que los espacios de arte contemporáneo están dispuestos a albergar y lo que los coleccionistas están dispuestos a considerar.

Nuhoglu argumenta que el mercado también debe cambiar. «Necesitamos galerías y compradores valientes y abiertos a lo nuevo», afirma, lo que significa que los coleccionistas también tienen un papel que desempeñar al mirar más allá de las marcas y estilos conocidos que ya poseen.

Aún no se sabe si el ecosistema en su conjunto está preparado. Pero por ahora, en Beyoglu, el coraje y la tradición se han alineado brevemente.